viernes, 20 de octubre de 2017

Monsters of Folk - ídem


Supergrupos. Se puede polemizar un rato… ¿sirven para algo? ¿Aportan, valen la pena? O son simplemente músicos divirtiéndose y haciendo facha. En realidad el concepto es un poco anticuado si se quiere. Era muy común en la década del setenta, cuando músicos de bandas que se iban desintegrando se juntaban con otros en la misma condición y hacían un disco, a lo sumo dos, con resultados más o menos olvidables.

No es el caso de Monsters of Folk, dos vienen de Bright Eyes; Connor Oberst y Mike Mogis, está M. Ward que siempre fue solista y tuvo bastante éxito con el dúo chica / chico She & Him y por último Jim James de My Morning Jacket, una de las grandes bandas de los últimos años, continuadores de aquella “música cósmica americana” iniciada hace ya varios años por Gram Parsons con los Byrds primero y los Flying Burrito Brothers después.

Hasta ahora hicieron solamente este disco homónimo en el ’09 y, a diferencia de lo que suele suceder, Monsters of Folk es un gran disco. Tiene la gran virtud de unificar a tres compositores bastante diferentes entre sí, hacer que las canciones de cada uno formen parte de un todo uniforme, cohesionado. Quien conozca la obra de las partes separadas podrá detectar con relativa facilidad a quién pertenece en realidad cada una de las canciones, a pesar de los engañosos y democráticos créditos compartidos. “Whole Lotta Losin’” es claramente de M. Ward, es su habitual relectura del rock nerd de los cincuenta, Buddy Holly a la cabeza. El que sigue, “Temazcal” no puede ser de otro que de Oberst, quien en sus discos suele tener problemas de auto-edición y saca casi todo lo que compone, acá sale ganando. “The Right Place”, el que viene es de James, claramente, no sólo porque es el encargado de la voz líder, lleva su huella en todo sentido. Se deben haber divertido mucho grabando este disco y se nota, a pesar de que hay cierta melancolía inevitable viniendo de quienes viene, el disco tiene una onda festiva y jodona que lo diferencia de los trabajos por separado de los miembros. En el medio hay temazos como “Losin to Head” o el encargado de abrir, “Dear God (Sincerely M.O.F.)” e incluso los rellenos no son evidentes, por oficio, por estar hechos con ganas y grabados con todo lo que esta gente tiene a mano, que no es poco.

¿Los Traveling Wilburys de la era moderna? Ahí hay otro ejemplo de supergrupo que funcionó, que dejo algo más que unas buenas fotos de vejetes abrazandosé y sonriendo para la ocasión. Podría ser… ¿Por qué no?





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Chequear también:
M. Ward - Transfiguration of Vincent
My Morning Jacket - It Still Moves
Bright Eyes - I'm Wide Awake It's Morning


martes, 17 de octubre de 2017

Video de la Semana: The Afghan Whigs - Debonair



TEMAZO de un DISCAZO; Gentlemen, cuarto disco de los Afghan Whigs, del '93.





viernes, 13 de octubre de 2017

Die Toten Hosen - New Guitar In Town



¿A cuantos habrán mandado a la disquería a buscar los originales los Die Toten Hosen? Eran tiempos de pre-internet, te tiraban una data invaluable. Ibas al Parque Rivadavia o a las cuevas de Belgrano y veías los discos de los Damned a precios privativos. Tardé un año en "entender" el primer disco de ellos (todo lo nuevo siempre cuesta) y otros diez en hacerme con la discografía básica.

Este es impresionante, a pesar de que el resto de los temas de los Lurkers no me dice absolutamente nada. Llega un pibe con una guitarra nueva al pueblo, todos enloquecidos, por supuesto. Hermosos cambios de acordes, estribillo inolvidable. Perfección.





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Encontrala originalmente en:
¿Cómo te ibas a enterar de la existencia de The Adverts si no era por este disco? La revista Madhouse podría ser la otra, quizás. Sham 69, UK Subs, The Boys, Vibrators, Eddie & the Hot Rods... un disco para avivar giles. Como yo.
Learning English, Lesson One (1991)





miércoles, 11 de octubre de 2017

Kubero Díaz y La Pesada - ídem


Una teoría paranoide: hoy en dia, tipos como Alejando Medina y Miguel Cantilo serían enemigos, o se mirarían con desprecio. En épocas de desunir ante la menor desigualdad el bajista de Manal y el capo de Pedro y Pablo, estarían distanciados y se criticarían mutuamente. Acá no, acá estaban juntos y unían fuerzas para hacer un disco. Alguna vez Claudio Gabis contó que los discos de La Pesada los hacían de manera totalmente informal, para generar algún que otro dinerillo extra para “parar la olla”, con los derechos de autor y las ventas. Las ventas que pueden haber llegado a tener estos discos plantean un interrogante pero no deben haber sido muchas porque es muy difícil encontrarlos en las bateas de discos usados y en buen estado es prácticamente imposible.

El de Kubero Díaz es uno de esos discos que impresionan, en más de un sentido. La asombrosa variedad musical, la calidad de las interpretaciones, el nivel de vuelo creativo… incluso la calidad de grabación es más que aceptable en una época en que en Argentina había un cierto desfasaje en cuanto a equipamiento y conocimiento de técnicas de audio.

“Colgado de las nubes”, el tema que cierra el LP es uno de los picos altos y un ejemplo perfecto para definirlo, pasa por varios estadíos, hay un interesante puñado de ideas musicales muy bien acomodadas, está bien cantado y arreglado, incluye una furibunda zapada psicodélica e incluso aparece el gran Jorge Pinchevsky con su violín mágico, aportando un toque extra que aporta y mucho. Otra cosa que llama la atención de los discos de La Pesada en general es que había cierto atrevimiento que en los trabajos de las respectivas bandas “oficiales” de los miembros no siempre aparecía, tenían más espíritu de aventura, menos miedo al error, quizás por tratarse de música que no iba destinada a consumo masivo, por las drogas que tenían encima o vaya uno a saber. “Todo es todo” es un rock duro y podrido que bien podría haber estado en los discos de Hawkwind de la era Lemmy y los temas más acústicos no tienen nada que envidiarle al Pink Floyd pre-Dark Side of the Moon, los de More o Obscured By Clouds.

Si pudieron llevar el pan a la mesa no lo sabremos y tampoco importa demasiado, lo cierto es que los discos de La Pesada se buscan hoy en día incluso en países angloparlantes y están siendo de a poco reeditados tanto en CD como en LP. Tienen méritos de sobra.





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Chequear también:
La Pesada - Buenos Aires Blus
Billy Bond y La Pesada - Vol. 2
Man - Back Into the Future

lunes, 9 de octubre de 2017

jueves, 5 de octubre de 2017

Bridget St. John - Thank You For...


Qué bueno mirar los créditos de los discos. Gracias a ellos te podés enterar de cosas que de otra manera hubieran pasado desapercibidas, son enlaces directos para ir a otros lugares, ver quiénes son los músicos que tocaron, quien comparte los créditos de composición… en “Fly High”, uno de los grandes temas de Thank You For… como co-autor figura R. L. Stevenson, la pluma detrás de La Isla del Tesoro y otras novelas de aventuras.

También se puede decir que hace falta ver los créditos para reconocer las versiones del tercer LP de estudio de Bridget St. John. Casi al final hace uno de los temas más hermosos de Buddy Holly, “Everyday”, en una versión prácticamente irreconocible pero igualmente trascendental, se apropia cien por ciento de la canción. Y lo mismo hace con uno de los temas más versionados del principio de la carrera de Dylan, “Love Minus Zero / No Limit” deja de ser un tema de Dylan para convertise en uno casi propio. Pero no sólo de versiones está hecho este asunto, los originales, que son mayoría, son de una factura impecable.

Thank You For… es el disco más pop de Bridget St. John, los dos primeros se pueden inscribir sin miedo en la categoría folk inglés de fines de los sesenta / principios de los setenta. Si bien son discos con personalidad y autoridad, en este tercer trabajo se puede decir que hace alguna que otra concesión para sonar más radiable, más apta para todo público. El disco sale por Dandelion, un sello ultra hippie (en más de un sentido) fundado por el mítico DJ inglés John Peel y su manager, armado en su momento para sacar al mercado a esta artista y que tuvo en su breve existencia a Kevin Coyne, Supersister y hasta a Gene Vincent. Se puede establecer un paralelo entre Bridget St. John y el primer LP solista de Nico, la cantante del disco de la banana de Velvet Underground, las voces tienen una similitud sorprendente,  aunque la inglesa tiene más dominio y técnica que la alemana, los timbres son muy parecidos. También el tipo de canciones coinciden hasta cierto punto. Temas que invitan a mirar el horizonte, replantearse errores, escuchar arreglos de cámara y una producción general muy cuidada.

Bridget St. John nunca pasó de ser una artista de culto, como la mayoría de los protegidos del muy querible John Peel, un tipo al que no le importaba el vil metal y siempre ponía por delante lo que le gustaba. Como nosotros, se podría decir.





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Chequear también:
Bridget St. John - Songs for the Gentle Man
The Way We Live - A Candle for Judith
Tractor - idem

martes, 3 de octubre de 2017

5 Canciones 5: Tom Petty


Big Weekend

La especialidad de Tom Petty siempre fue hacernos creer que lo que hace es de una sencillez agobiante, simple, casi tonto incluso. Pero prueben hacerlo en casa. ¿A cuantos vimos fracasar estrepitosamente en un intento de imitarlo? Muchos, muchísimos. "Big Weekend" es escapismo rockero del más puro y duro, "necesito un gran fin de semana para olvidarme de todos los problemas". Lo que le pasa a millones de personas. Imposible no conectar.

Aparece originalmente en: Highway Companion (2006)

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Free Girl Now

El disco de divorcio por excelencia de Tom Petty, su Blood On the Tracks y sí, hay dolor en sus surcos... pero también hay mucho rock 'n' roll, la forma elegida por millones de habitantes del planeta tierra para exorcizar demonios de todo tipo. Tres acordes, cuatro como mucho, mucha onda, mucha energía, huevos, una letra más o menos acomodada para la ocasión... no hace falta mucho más para hacer el mejor rock.

Aparece originalmente en: Echo
(1999)

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Cracking Up

¿Una versión en una lista de cinco temas de uno de los mejores escritores de canciones de los últimos veinte o treinta años? En realidad, más que un cover es una devolución de gentilezas. Nick Lowe había hecho "Craking Up" en Labour of Lust, que -junto a Jesus of Cool- era un disco camaleónico, en donde probaba que podía componer en el estilo que se le antojaba. El estilo de este tema en particular, tenía no poco que ver con el de Tom Petty y sus Heartbreakers.

Aparece originalmente en:
Labour of Love: The Music of Nick Lowe (2001)

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Stop Draggin' My Heart Around

La cantante de Fleetwood Mac para este entonces era una diva, después del éxito arrasador de Rumours, habían hecho un disco doble rarísimo -el gran Tusk, por supuesto-  y quería probar suerte como solista. La compañía le decía que le faltaba un hit. Tenía para elegir entre éste e "Insider", que terminó saliendo en el fundamental Hard Promises. Acertó. Uno de los temas más versionados de Tom Petty (Sharon Van Etten, Neko Case, etc.)

Aparece originalmente en:
single de 7" / Bella Donna (1981)

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Climb That Hill

La banda sonora de la película She's the One es uno de los discos más injustamente olvidados de Tom Petty, tiene algunos de los sonidos de guitarra más filosos y sucios de todos los que han grabado los Heartbreakers. "Climb That Hill" es un ejemplo perfecto, rockea durísimo, con un riff de dientes apretados. Me tomé el trabajo de ver la película para ver estos temazos con imágenes. Practicamente ninguno suena y la película es un verdadero bodrio.

Aparece originalmente en: She's the One [banda sonora oficial]
(1996)

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lunes, 2 de octubre de 2017

Video de la Semana: Heavy Trash - I Want Oblivion



Que gran idea para hacer un video con dos mangos. Del segundo, Going Way Out with Heavy Trash.





lunes, 25 de septiembre de 2017

Disco del Mes: The Band of Blacky Ranchette - Still Lookin' Good to Me


The Band of Blacky Ranchette
Still Lookin' Good to Me
2003










Thrill Jockey










jueves, 21 de septiembre de 2017

Grant Hart - Intolerance


Un ruido seco, raro y distorsionado que dura unos veinte segundos da paso a una batería y un riff sórdido, medio bailable, medio Depeche Mode. Casi en seguida entra la voz, gastada, cansada, prácticamente recitando la letra y otra voz atrás en la mezcla, armonizado: “dijiste que eras sensible, bueno, advierto, esa es la forma en que quiero que vivas, estoy usando todos mis sentidos”. Así arranca “All of My Senses”, la primer canción de Intolerance, el primer LP como solista de Grant Hart, ex-baterista y mitad compositiva de una de las bandas más importantes e influyentes de la década del ochenta: Hüsker Dü.

Con Bob Mould, su anterior socio, habían redefinido para siempre la escena de Minneapolis, con Replacements y Soul Asylum a la cabeza, usaban las guitarras en once como escudo contra el mundo. Lo que muy poco después cosechó Nirvana y todos los que vinieron atrás, cuando el underground se fue para arriba de una vez y para siempre. Grant Hart era experto en convertir el sufrimiento en grandes canciones, era gay en un momento en que todavía estaba casi prohibido y era tan pobre de chico que solamente tenía plata para comprarse discos simples, de hecho con Mould se conocieron en una disquería y no se separarían en los siguientes diez años. Pero volvamos a Intolerance que es lo que hoy nos atañe.

El temazo “Fanfare in D Major (Come, Come)”, los ganchos en “Now That You Know Me”, los silbidos en "You're the Victim"… los famosos instintos pop de Hart, que antes eran -más de una vez- reprimidos por sus ex compañeros de banda, están a flor de piel en este disco. Son canciones pop perfectas, lo que siempre buscó. Ya lo tenía claro en “Pink Turns to Blue”, de la ópera rock punk por excelencia Zen Arcade, lo que volvería a intentar en “Books About UFOs”, debajo de todo el ruido y la mugre de New Day Rising o en la hermosa y clásica “Don’t Want to Know If You Are Lonely” de Candy Apple Grey. Se puede decir que Hart siempre fue el Paul McCartney de Hüsker Dü y que Intolerance es su Ram, en donde finalmente puede hacer todo lo que se le da la gana.

No es el único gran disco de Grant Hart, por supuesto, a pesar de no ser tan prolífico como Mould ha hecho cosas fundamentales como el primer disco de Nova Mob o el ambicioso The Argument, su último trabajo de estudio. Bienvenido a la verdadera inmortalidad absoluta.




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Chequear también:
Hüsker Dü - Warehouse: Songs and Stories
Grant Hart - Good News for Modern Man
Nova Mob - The Last Days of Pompeii



lunes, 18 de septiembre de 2017

5 Canciones 5: Grant Hart, Fred McDowell, Concrete Blonde, Mojave 3, Pinetop Seven


Shine, Shine, Shine
Grant Hart
The Argument es el canto de cisne, el Ulises de alguien que difilmente sea olvidado, Grant Hart. Además de componer practicamente la mitad de las canciones de Hüsker Dü con Bob Mould, claro. The Argument es su versión rockera de El Paraíso Perdido de John Milton pero no se asusten que los instintos pop de Hart están intactos, sobre todo en esta canción perfecta y melancólica. Lo despedimos cantando a coro: "y brillarás, brillarás, brillarás como una estrella arriba". Amén.

Aparece originalmente en: The Argument (2013)

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Jesus Is on the Mainline
Mississippi Fred McDowell
Cuando el blues volvió a tener el reconocimiento que nunca debió haber perdido, a fines de la década del sesenta, muchos músicos históricos del delta del Mississippi tuvieron la oportunidad de volver a grabar y algunos hicieron sus primeros LP recien en esta segunda oleada. Este es un ejemplo perfecto de blues de raíces puro y auténtico, al mejor estilo Son House o Skip James, un clásico que más tarde versionaría Ry Cooder.

Aparece originalmente en: I Do Not Play No Rock 'n' Roll (1969)


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Everybody Knows
Concrete Blonde
Uno de los grandes temas de Leonard Cohen fue versionado por Concrete Blonde para la serie Dirty Sexy Money, con Donald Sutherland. El cover, hay que decirlo, la rompe, más allá de que te guste o no Johnette Napolitano, la cantante con una voz (y una personalidad) muy particular. El video muestra que esta época envejeció bastante mal, los peinados de los personajes de la serie, los de la banda mejor ni hablar... pero la música; impecable.

Aparece originalmente en: Ghost of a Texas Ladies' Man [single, 7"] (1992)


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Got My Sunshine
Mojave 3
Gran demostración de cómo hacer un tema de folk engañosamente sencillo que va creciendo y desarrollándose lenta y perezosamente hasta convertirse casi en una pieza a toda orquesta a la manera del Phil Spector más barroco. Este temazo brillante, cristalino y luminoso aparece cerrando el tercer disco de estudio de los ingleses Mojave 3, la banda de Neil Halstead, también conocido como el alma máter de los fundamentales Slowdive. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Excuses for Travellers (2000)


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Empty Hands and the Long Walk Home
Pinetop Seven
En este momento se me ocurren solamente dos bandas-ejemplo de temas instrumentales que valgan la pena; Calexico y los Sadies. Por lo visto habrá que agregar a Pinetop Seven a la lista. Esto es una mezcla de Morricone, cine negro, western y música clásica de fines del siglo XIX. Es una de las pocas canciones sin voces del segundo -gran- disco de estudio de esta banda de Chicago, Illinois.

Aparece originalmente en: Rigging the Toplights (1998)


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jueves, 14 de septiembre de 2017

Video de la Semana: The Sadies - Through Strange Eyes



Los hermanos Travis y Dallas Good, Mike Belitsky y Sean Dean tienen disco nuevo (salió a principios de año) se llama Northern Passages y tiene el nivel de siempre, es decir; impecable.





martes, 12 de septiembre de 2017

Mellow Drunk - Always Be Drunk


Todas las grandes bandas están sobrevaloradas. Todas, sin excepción. Beatles, Stones, Led Zeppelin, Blur, Nirvana, Sex Pistols, etc. Todas tienen muchísima prensa, se ha escrito muchísimo de ellos y, esencialmente, el fan promedio es el primero en valorar en demasía al endiosar una banda y creer que todo lo que hacen es sublime. En realidad, si agarramos cualquiera de estas bandas podemos ver que lo que hicieron y es extraordinario en general es bastante poco y el resto es más o menos cumplir, o zafar.

Del otro lado están las bandas chicas, las que no salen en ningún lado y son eternamente subvaloradas. De estas está lleno y muchas veces entran en esta categoría… merecidamente. Pero otras, como Mellow Drunk no lo merecen. Son muy pocos los que logran un disco completamente sólido, atemporal, repleto de buenas canciones y Always Be Drunk es uno de esos. Lo de “siempre hay que estar borracho” viene de Baudelaire, Leigh Gregory es uno de esos tipos que han leído mucho y eso se nota en las canciones que, rara vez, suelen ser personales. El tipo proyecta y estudia personajes y se ha encargado de afirmar que “es muy difícil encontrarme en las canciones, la auto-referencia no es lo mío”.

El primer temazo del disco aparece de la mano de “Everybody Knows You’re a Star”, un medio tiempo muy al estilo de Crazy Horse, con guitarras podridas al punto justo, con una voz susurrada como la de Steve Kilbey de The Church o cualquiera de los dos cantantes de Suede. En la sección anterior al estribillo hay un cambio de acorde que te descoloca y te hace desear que llegue el alivio. Está repleto de solos de guitarra bien mugrientos, sin virtuosismo pero muy musicales, líricos, dura cinco minutos y pico pero podría seguir un buen rato. El resto de las canciones se mueve -de manera muy cómoda, hay que decirlo- en esa línea; canciones. Canciones redondas, sin fisuras, con una pátina evidente de melancolía, como la foto de tapa, que refleja perfectamente lo que contiene. Tiene también el ineludible cover fino de la mano de “Long Drawn Sunday Night” de los escoceses The Orchids, una suerte de Belle & Sebastian no tan amables.

Lo de Mellow Drunk pegó bastante por el lado de los músicos, como suele pasar en estos casos, con Marty Willson-Piper invitándolos a tocar cuando su banda fue a San Francisco o Dean Wareham de Luna declarándose fan y tocando con The Jazz Butcher y Johnny Thunders. Mellow Drunk; un “tapado” de los buenos.




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Chequear también:
The Walkabouts - Ended Up a Stranger
Mellow Drunk - Never Sleep at Night
The Jayhawks - Sound of Lies


jueves, 7 de septiembre de 2017

Willie Dixon - I Am the Blues


Pocos han hecho tanto para el desarrollo de la música moderna como este hombre. Como parte del equipo estable del sello Chess de Chicago, produjo, compuso, arregló y tocó en más canciones que las que se han podido documentar, una buena porción fueron temas compuestos por él mismo y se cree que es autor de unas quinientas piezas, aproximadamente.

A pesar de que venía trabajando activamente y a esta altura era sinónimo de calidad, I Am the Blues, aparecido en 1970, es recién el sexto disco de estudio de Willie Dixon como solista, con su nombre en la tapa, por extraño que parezca. Es que lo suyo no era el estrellato, de hecho llegó a la gran ciudad para triunfar como boxeador, en donde no le fue del todo mal, pero lo suyo, claramente, estaba en otro lado. A fines de la década del sesenta debe haber sentido la necesidad de reclamar lo que era suyo, el blues que ya tenía unos cuantos años, estaba otra vez de moda. Se habían grabado infinidad de versiones de sus temas y era el momento perfecto para mostrar cómo era que se hacían las cosas.

Un vistazo a la contratapa de I Am the Blues, a la lista de temas, sobra para ver que estos son los temas que forman parte del canon imprescindible del género, varios fueron grabados por primera vez por el gigante Howlin’ Wolf (en este disco toca su fiel guitarrista, Hubert Sumlin), otros tantos por Muddy Waters y no faltan las versiones de bandas más actuales, como The Doors, Rolling Stones y Led Zeppelin. La banda de Page, Plant y compañía incluso tuvo un pequeño desliz al no darle el crédito correspondiente al bluesman por “You Shook Me”, del primer LP homónimo de los ingleses, cosa que se corrigió con los años después de no pocos litigios legales. El disco abre con una poderosa versión de “Back Door Man”, uno de sus grandes temas, con un sonido moderno, adaptado a la época y con un Dixon en muy buena forma como cantante. ¿Por qué será que una música en apariencia sencilla y sin demasiados rebusques suena tan bien en manos de sus intérpretes originales y no tan bien (por no decir pésimo) en manos de gente que se acerca al género de manera irrespetuosa o despreocupada? Están quienes creen que esta música es puro sentimiento, que se lleva en la sangre y demás explicaciones de tipo metafísico y a la hora de escuchar y hacer comparaciones puede ser que algo de eso haya.

En vez de preocuparnos y hacernos preguntas sin respuesta mejor escuchar el solo de piano de “I Ain’t Superstitious”, uno de los temas enormes de la música popular del siglo veinte. También de la pluma de Willie Dixon, por supuesto.




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Chequear también:
Willie Dixon - Catalyst
Magic Sam Blues Band - West Side Soul
Muddy Waters - After the Rain

lunes, 4 de septiembre de 2017

Eels - Hey Man (Now You're Really Living)


Captás un pedacito de la letra y de repente, ESO, convierte a la canción en algo completamente nuevo. Tenés un hijo y tu vida cambia completamente, para siempre y de manera indefectible.

No se puede describir con palabras aunque se puede intentarlo, como siempre... ¿por qué no?
Querés que tu hijo esté protegido, que tenga un escudo contra la mierda que nos rodea, querés que sea felíz y que sepa disfrutar de los sagrados momentos de soledad y cuando vislumbrás que eso puede llegar a suceder te parte la cabeza, el alma y el corazón. El pedacito de letra que llegué a captar es cuando dice "te hace darte cuenta de que no es un mundo tan malo".

Más que suficiente. ¡Ah! Y el título, claro, sería algo así como "ey viejo (ahora estás viviendo de verdad)".






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Encontrala originalmente en:
¿Por qué todo el mundo quería hacer discos dobles en esta epoca? ¿Sabían que estaba todo al borde de terminarse? A lo mejor suponían que en unos pocos años los discos iban a ser algo para nostálgicos. Y de los discos dobles, largos, llenos de temas... mejor ni hablemos.
Blinking Lights and Other Revelations (2005)





viernes, 1 de septiembre de 2017

Video de la Semana: The Decemberists - Calamity Song



Los videos de Decemberists suelen ser historias cortas, con una buena dosis de sentido del humor y en este tema de Her Majesty... una influencia muy clara de early R.E.M.





martes, 29 de agosto de 2017

Disco del Mes: The Electric Prunes - Mass in F minor


The Electric Prunes
Mass in F minor
1968










Reprise Records










lunes, 28 de agosto de 2017

You Am I - Hi Fi Way


¿Se puede hacer una generalización de trazo grueso y decir que la música de un país es de una u otra forma? Se podría decir que no, que no es posible semejante agrupación pero hagamosló igual que ningún censor va a venir a amonestarnos. Los australianos, el gran rock australiano para acotar un poco el asunto, tiene la gran virtud de ser honesto, a más no poder. Los tipos no se preocupan por ser artistas, por dejar grandes obras conceptuales, pero sí se preocupan y mucho por rockear, por sonar duros y puros. La lista es larga; The Hitmen, Hoodoo Gurus, The Cruel Sea, Beasts of Bourbon y podríamos seguir un buen rato con la enumeración innecesaria.

You Am I fueron grandes estrellas en las antípodas en la década del noventa y gran parte de ese éxito se debe a este, Hi Fi Way, segundo LP de estudio de la banda de Sydney, aparecido originalmente en el año 1994. A la hora de la grabación eligieron a Lee Ranaldo, de Sonic Youth, para la producción, a pesar de no ser una banda del todo emparentada con los neoyorquinos, sí es un grupo de guitarras fuertes y el trabajo se nota en los surcos. A la hora de describir el sonido de You Am I se puede emparentarlos con mucha música de los sesenta pero también con varios de sus congéneres, de hecho el primer LP era medio grunge. Una especie de Kinks de los noventa, se podría decir. Por la manera de cantar de Tim Rogers, un tipo con un carisma considerable, por las composiciones y el tipo de canciones y por la variedad musical que hay en los discos. Son una de esas bandas que pueden rockear muy fuerte, basar los temas en riffs de guitarra e inmediatamente después hacer una balada con todas las letras como “Handwasher”, que en Hi Fi Way viene antes de “Punkarella”, como para ilustrar la idea.

A lo último, para cerrar, está el primer single; “How Much Is Enough?”, ganchera y melancólica en partes iguales. Fue seguido por “Cathy’s Clown”, otro gran hit que casi comparte nombre con el super clásico de los Everly Brothers… si querés saber cómo sonaba el rock australiano de mediados de los noventa, no harías mal en elegir este tema como ejemplo. Nunca pudieron despegar del todo del país continente pero siempre que va una banda grande (The Who, Stones, Oasis) son ellos los elegidos para actuar como teloneros.




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Chequear también:
You Am I - Deliverance
You Am I - Dress Me Slowly
You Am I - Cream & The Crock: The Best of You Am I

viernes, 25 de agosto de 2017

5 Canciones 5: The Bevis Frond, Egberto Gismonti, Wilco, Wilson Pickett y Lou Christie


Splendid Isolation
The Bevis Frond
Perfecto título -'soledad espléndida' sería- para describir la forma en que Nick Saloman grabó el primer LP de The Bevis Frond. Solo, en su cuarto, tocando todos los instrumentos en una porta-estudio de cuatro canales. Según cuenta el librito de la reedición del sello Cherry Red, estaba a punto de darse por vencido con la música cuando empezaron a llamarlo por teléfono y pedirle copias. El sonido es crudo, logicamente, pero canciones como ésta, a prueba de herrumbre, hacen que Miasma sea fundamental. Nacía una leyenda.

Aparece originalmente en: Misma (1986)

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Cego Aderaldo
Egberto Gismonti
Una sorpresa; todavía se puede revolver en las disquerías porteñas y encontrar tesoros sin que te cobren el equivalente a un órgano del cuerpo humano. En este disco conceptual está este homenaje al Ciego Aderaldo, que fue -supuestamente- uno de los primeros en hacer rimas e improvisaciones. La música es un viaje a la India, de hecho, como invitado está Lakshminarayana Shankar. No hay muchos como Egberto Gismonti en el mundo, con su nivel de vuelo e inventiva.

Aparece originalmente en: Circense (1980)


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Common Sense
Wilco
En medio de un disco tranquilo y reposado aparece este manojo de nervios. En el momento de su aparición, los comentarios sobre Schmilco hablaban de un disco parecido a Sky Blue Sky pero... no es tan así, uno se pregunta si se toman el trabajo de escuchar más de dos o tres canciones. En este disco no falta la experimentación, los temas raros y relativamente perturbadores. Este es, sin duda alguna, uno de esos.

Aparece originalmente en: Schmilco (2016)


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You Can't Stand Alone
Wilson Pickett
Incluído en el quinto LP de estudio del gran Wilson Pickett, cuarto para el sello Atlantic. Se podría pensar que lo que no eran singles en este tipo de discos eran rellenos. Nada más alejado de la realidad, estos son discos disfrutables al cien por ciento. Acá hay una línea de bajo que es una víbora fuera de control, velocidad, sudor y la garganta rasposa de uno de los más grandes cantantes de soul y R&B de todos los tiempos. TEMAZO.

Aparece originalmente en: The Sound of Wilson Pickett (1967)


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Look Out the Window
Lou Christie Sacco
Este disco corresponde a una especie de sub-género; rocker exitoso de los sesenta, cansado de su imagen de ídolo adolescente, decide hacer disco orquestal con canciones introspectivas. Sobran ejemplos: Johnny Rivers, Rick Nelson, Dion, Del Shannon, etc. El de Lou Christie es uno de los buenos en serio y al final se pone más ambicioso todavía, con los tres últimos temas. Acá los arreglos son un verdadero lujo, a toda orquesta y el falsetto se eleva por encima de una maraña de cuerdas y bronces.

Aparece originalmente en: Paint America Love (1971)


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jueves, 24 de agosto de 2017

Video de la Semana: Portugal. The Man - Feel It Still



Tienen flamante disco nuevo, se llama Woodstock y salió hace poco más de un mes. Este es el hit.





martes, 22 de agosto de 2017

KISS - Unmasked


La banda más “perdonada” de la historia del rock ‘n’ roll. ¿Qué sería esto? Muy simple; KISS es la banda que incurrió en todos y cada uno de los pecados que harían que una banda desaparezca del mapa y pase a ser odiada por su público. Reuniones y separaciones de todo tipo, noticias extra musicales de las más repugnantes, declaraciones dudosas de todos los colores, líderes absolutos en eso de sacarle plata al fan medio tontuelo con productos que nada tienen que ver con la música y podríamos seguir un buen rato enumerando… de la rivalidad local con Queen mejor ni hablemos. Se podría decir que en todo lo que NO ES música estrictamente, hacen agua por todos lados. Por suerte, también hacen discos y hay varios que tienen muy buenas canciones.

Después de la conquista mundial, de lograr todo lo que se habían propuesto, a fines de los setenta eran una de las bandas más exitosas comercialmente hablando. Hasta llegaron a sacar cuatro discos solistas simultáneos que se cansaron de vender, en una movida marquetinera sin precendentes. Para la altura de este, Unmasked, las grietas empezaban a asomar.

Es el primer disco sin el baterista original, sin Peter “El Gato” Criss, quien aparece en el video de “Shandy” -omnipresente en las radios todavía hoy- pero no grabó en ninguno de los temas. Es el primer LP en donde hay muchas contribuciones externas en las composiciones, esto ya había pasado anteriormente pero acá la cosa está llevada casi al extremo. Para muchos esto fue sacrilegio pero a nivel musical es un disco inédito para la carrera de KISS. Hay más melodías, giros inteligentes en los estribillos, puentes que antes no habrían aparecido y aquí va una teoría; sin los compositores que metieron mano todo esto no había pasado. Como toda banda ávida de ventas (quizás la banda MÁS ávida de ventas que existe) en Unmasked hay una cierta tendencia hacia el powerpop que tan de moda estaba por aquel entonces con The Knack, Romantics, 20/20 y etc. “Is That You?”, “Talk to Me”, de Ace Frehley, quien siempre metía sus perlitas y pronto recibiría también la patada en el culo y, sobre todo, el enorme “Tomorrow”, en donde Paul Stanley demuestra una vez más quién es el verdadero portador de la llama en KISS. Hay algún que otro relleno, eso no falta en ningún disco de KISS, pero no es de ninguna manera el disco que muchos se han encargado de vilipendiar a lo largo de los años. Dale una oportunidad a Desenmascarados, a lo mejor vos también… comprás.




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Chequear también:
KISS - Music from "The Elder"
KISS - Killers
KISS - Creatures of the Night



jueves, 17 de agosto de 2017

lunes, 14 de agosto de 2017

Mark Knopfler - Boom, Like That



¿Quien no conoce a Dire Straits? Yo los conocí de muy chico, sonaban por todos lados y tenía el compilado Money for Nothing -todavía lo conservo- que lo debo haber gastado. Pero después me hice el punk y los desprecié, disfrutándolos sin admitirlo del todo.

Por eso mismo Knopfler como solista me llegó muchísimo más tarde y el primer disco que tuve fue Get Lucky, cuando salió, a fines de la década pasada. Sus últimos cinco o seis discos (sobre todo el doble Privateering) me gustan más que su banda anterior, los disfruto más, me parecen más sinceros y menos atados a una época y además no cansaron a nadie con la sobreexposición. En mi etapa de DJ ponía mucho este tema, que te atrapa desde su arpegio introductorio, cancherísimo, con groove, onda, buena letra, Knopfler "cantando" casi sin abrir la boca y los licks desparramados de mi guitarrista favoritor de todos los tiempos. Sí, Mark Knopfler.






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Encontrala originalmente en:
Este es el tercero de la etapa inaugurada por el excelente Sailing to Philadelphia (muy celebrado -me acuerdo- cuando apareció) y es otro gran disco. Muchos temas, varios colores musicales y el estilo completamente consolidado. Un Lou Reed para las masas (¡JA!).
Shangri-La (2004)





jueves, 10 de agosto de 2017

Buffalo Tom - Sleepy Eyed


Muchas veces, como oyentes, depositamos demasiadas expectativas en la música que escuchamos. Pretendemos que se trate de una experiencia definitiva, que nos cambie la vida, nos modifique, olvidando que esto no deja de ser entretenimiento. Si lo que escuchamos no es revolucionario lo dejamos de lado automáticamente, olvidando que los verdaderos revolucionarios se cuentan con los dedos de las manos. Lo descartamos porque no nos emociona, cuando lo que en realidad nos conmueve suele ser lo que descubrimos alrededor de los veinte años, después… rara vez vuelve a pasar.
Los Buffalo Tom no te van a cambiar la vida, no inventaron prácticamente nada, se puede decir que es una banda típica de su época -los noventa- pero seguro te van a hacer pasar un buen rato. Los discos son buenos, están bien grabados, los temas están arreglados de manera inteligente y las letras de angustia existencial no están nada mal.

Los dos primeros discos son trabajos en los que la banda estaba en la búsqueda, de una identidad sobre todo, sonando a medio camino entre los Replacements y Dinosaur Jr. aunque con un destacable nivel de eficacia. Ya para la época de Let Me Come Over sabían bien lo que querían y a partir de ese tercer LP, empieza lo que se podría considerar como la etapa clásica de Buffalo Tom, que termina con este disco, Sleepy Eyed, del ’95. Escuchar la balada épica de aires zeppelinianos “Sunday Night”, a mitad del disco,  es viajar al instante a la década en que esta música fue hecha, con todo lo bueno y lo malo que eso implica. “Me siento tan vacío que podría morir” dice para cerrar el estribillo, por lo visto no eran pocos los que miraban con cariño la salida rápida. Los primeros temas representan una descarga de hits instantáneos, “Tangerine”, “Summer” (muy bien cantado por Bill Janovitz) y “Kitchen Door” sobre todo, son temas que bien podrían haber sonado en la todavía omnipresente MTV de aquel entonces o en el millar de radios alternativas que no paraban de aparecer de un día para el otro. De los dos primeros se hicieron videos promocionales.

Después de este disco viene Smitten, del ’98 y en el sello Polydor, antes del parate obligado de toda banda que no se vuelve masiva o exitosa, hace unos años hubo reunión y dos discos más. Para agregar al catálogo de una banda que merece una segunda chance.





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Chequear también:
Buffalo Tom - Big Red Letter Day
The Lemonheads - Car Button Cloth
Eleventh Dream Day - Beet


lunes, 7 de agosto de 2017

Video de la Semana: Wilco - Someone to Lose



Del disco del año pasado de Wilco, Schmilco.





jueves, 3 de agosto de 2017

The Someloves - Little Town Crier



Creeme: todo lo que hace Dom Mariani es bueno. TODO, sí. Ya sea con The Stems, como solista, con The Majestic Kelp (excelente surf instrumental) los grandiosos DM3, The Stoneage Hearts y ahora con Datura4, siempre te vas a encontrar con guitarras, rock de guitarras del que eriza la piel. Yo lo conocí con At First Sight (Violets Are Blue) de los Stems que es un disco fundamental pero si tengo que elegir uno, uno sólo de sus grandes discos, me quedo con el que trae una de mis diez canciones favoritas de todos los tiempos, "Little Town Crier" de los Someloves.

Arpegios, guitarras a lo Byrds, voces con armonías, polenta, gancho, mucho gancho sobre todo. Un tema inmortal.





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Con los Someloves hizo un sólo disco que es este pero... ¡vaya disco! Este sí que es de los pocos que no tienen desperdicio, un temazo atrás del otro, no da respiro. Palabras que suenan a lugar común pero que, en este caso, son más certeras que nunca.
Something or Other (1989)





martes, 1 de agosto de 2017

The Beach Boys - Carl and the Passions - "So Tough"


Para la primera mitad de la década del setenta estaban completamente perdidos. El sello no sabía qué hacer para devolverles cierta credibilidad como banda, la revista Rolling Stone los maltrataba cada vez que podía y todavía hoy, vamos a decir la verdad, muchos consideran que después de Pet Sounds los Beach Boys dejan de existir. Pero en la historia del rock hay que leer la letra chica porque está lleno de simplificaciones burdas y de lugares comunes que se repiten sin haber hecho lo más importante; escuchar los discos. Por suerte el tiempo pasó, dio su veredicto y hasta hubo una corriente reivindicadora en los noventa de la mano de The Beta Band, Super Furry Animals y demás grupos que se encargaban de recordar lo valiosos que eran y son los discos de la llamada “etapa de los hermanos”, en la que Brian Wilson cede el control y los créditos son una verdadera ensalada de nombres y asociaciones.

Carl and the Passions – “So Tough” viene inmediatamente después de otro disco revalorizado con el tiempo; Surf’s Up y antes de Holland, el que le adosaron en la época de los CDs dos en uno y tiene la novedad de dos nuevos integrantes que venían de los sudafricanos The Flame. Eran Ricky Fataar y Blondie Chaplin, dos multi-instrumentistas, excelentes cantantes y también compositores. Hasta qué punto era democrático el tema composiciones en los Beach Boys de esta etapa que los dos nuevos aportan dos temas que firman en conjunto: “Here She Comes” y el espectacular “Hold On Dear Brother”, un himno de unidad y canto a la vida, highlight indiscutido del LP. Otro gran tema es “Marcella” con guitarra fuzz y gran voz líder de Carl Wilson, quien también se hace cargo de la producción.

Nada te prepara para lo que viene al final, en la cara B, en donde aparece Dennis Wilson en su máximo esplendor, ya había dado muestras de talento en Sunflower, firmando varios temas, sobre todo el conmovedor “Forever”. Acá hay dos temas del fiestero Dennis que poco tienen que ver con su imagen de salvaje depredador de mujeres. Se trata de “Make It Good” y, sobre todo el enorme “Cuddle Up”, que anticipa la maravilla que sería Pacific Ocean Blue, unos años más tarde. Acá firma con Daryl Dragon, que después sería el capitán de los exitosos Captain & Tenille.

Carl and the Passions – “So Tough” es otro capítulo interesante en una de las historias familiares más retorcidas, convulsionadas y tristes de la historia de la música popular del siglo veinte.





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Chequear también:
The Beach Boys - 20/20
The Beach Boys - Friends
Carl Wilson - idem [1er. LP - 1980]

miércoles, 26 de julio de 2017

Disco del Mes: Alejandro Escovedo - Burn Something Beautiful


Alejandro Escovedo
Burn Something Beautiful
2016










Fantasy










martes, 18 de julio de 2017

Old Crow Medicine Show - 50 Years of Blonde On Blonde


¿Cuál es el verdadero valor de los discos de versiones o discos tributo? Depende el punto de vista, como siempre. A lo mejor desde lo estrictamente artístico el valor es nulo o ínfimo. Pero como souvenir para el fan son magníficos. Siempre es disfrutable ver desde qué ángulo se los encara, si es desde la reverencia, la desfachatez o incluso desde lo meramente cómico. En el caso de este, es un caso aparte porque se trata de un disco entero versionado, Blonde On Blonde, el super clásico de Dylan, encarado de punta a punta -en vivo- por Old Crow Medicine Show.

Muchas de las canciones de Blonde On Blonde han sido versionadas más de una vez y algunas hasta el hartazgo (“Just Like a Woman” o “Visions of Johanna”, por ejemplo) pero estos tipos se encargan de imprimirle un matiz fresco y novedoso a unas canciones que, por increíble que parezca, ya tienen cincuenta años. La fiesta empieza desde temprano, con una versión fiestera al máximo de “Rainy Day Women #12 & 35”, un tema que en el original era poco más que un chiste que no hacía falta escuchar dos veces. En “Pledging My Time” la parranda sigue, con una versión a toda velocidad al mejor estilo The Pogues. Con el tercero, de la mano del mencionado “Visions…” ya te das cuenta de que la cosa va en serio y de que funciona. En vez de arrodillarse de manera obediente, le ponen pimienta a uno de los grandes temas de Bob Dylan, dándole un nuevo enfoque, demostrando que entienden la canción, se la apropian por completo y la hacen saltar en el aire. El mismo Dylan puede llegar a aprobar este gesto de caradurez, posiblemente.

“One of Us Must Know (Sooner or Later)” está cantada como los dioses, demostrando una vez más la admirable elasticidad de las canciones de Mr. Zimmerman y “Leopard-Skin Pill-Box Hat”, que en el original era un blues no del todo convincente, pasa a ser un temazo de country-rock con sus violines para la ocasión. “Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine” tambien está punkeada, tiene mucha fuerza, la batería empuja y las voces responden como debe ser y lo mismo pasa con “Absolutely Sweet Marie” que ya tenía grandes versiones, sobre todo la de los Flamin’ Groovies y la impecable interpretación de Jason & the Scorchers. Y la pregunta es… ¿Qué va a pasar con la épica “Sad Eyed Lady of the Lowlands”, el tema que en el disco doble original ocupaba una cara entera y al que Dylan le dedicó una noche entera (algo muy poco habitual en él) para la letra? Otro acierto, en vez del sopor narcotizado de la original hay una vuelta de tuerca que vale la pena escuchar y repetir.

Así es como se hace un verdadero tributo, evitando la genuflexión innecesaria pero demostrando claramente que las canciones se entendieron y que se las puede modificar sin caer en el chiste para entendidos, el que deja afuera a todos menos a los que lo hacen, como las carreras de autos, digamos.




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Chequear también:
Old Crow Medicine Show - Carry Me Back
Francis Cabrel - Vise le ciel
Varios - UNCUT: Hard Rain Vols. 1 & 2 (A Tribute to Bob Dylan)



lunes, 17 de julio de 2017

Video de la Semana: James Levy & the Blood Red Rose - Give Me Happiness



¿Cuantos émulos de Nancy y Lee han aparecido en los últimos años? A estos les sale bastante bien, del único disco de estudio que hicieron, Pray to Be Free, del 2012.





miércoles, 12 de julio de 2017

NRBQ - Tapdancin' Bats


Uno de mis chistes favoritos es el título y la tapa de uno de los tantos discos en vivo que tienen; Live at the Yanquee Stadium. Si prestás atención, en el estadio vacío, en la tribuna, están ellos sentados, sabiendo muy bien que jamás llenarían ningún estadio del mundo. El que se sabe loser y sabe reírse de sí mismo tiene todo por y para ganar. ¿Qué otra banda se te ocurre que puede tocar versiones de Sun Ra, después un rockabilly impecable y seguir con un temazo power-pop de esos que parecen simples pero que no lo son? Ellos son una de esas bandas, NRBQ, sigla que significa “nuevo cuarteto de rhythm and blues” y están juntos desde que el rock es rock, desde fines de los sesenta, con discos tan depurados y redondos como Scraps o Workshop (’72 y ’73, respectivamente).

Para fines de la década siguiente, grabando para Bearsville, el sello del infame Albert Grossman, le debían un disco para liberarse del contrato y como tenían toneladas de material amasado en más de una década armaron este LP, Tapdancin’ Bats, que sale en el ’83. Sería la clásica compilación de rarezas y descartes pero funciona y perfectamente porque NRBQ no es cualquier banda, tienen varios compositores y haciendo versiones son impecalbles.

Te compran con gestos, dedicarle una canción a un héroe de la lucha libre y que sea un temazo como “Captain Lou”, que termine con esos arreglos delicadísimos de piano y con esos gritos enloquecidos de domador de circo -en un momento se escucha clarito “esto es un pandemonio psicodélico”- hacen que uno se sienta cómplice del chiste y que tenga ganas de repetirlo. O el excelente solo de saxo en el break instrumental de “You Got It”, cover del clásico de Don Covay. La variedad estilística de NRBQ nunca es tan evidente como en Tapdancin’ Bats, es cierto que se trata de un disco armado con retazos, pero en lo que a apertura musical se refiere, sale beneficiado claramente. Parecen una banda en joda, “Rats In My Room”, “Trouble at the Henhouse”... en cierto modo lo son, pero no es el chiste interno para pocos, es sentido del humor inclusivo, te sentís parte del asunto y si prestás atención (no hace falta mucha) te das cuenta que son unos músicos buenísimos. ¿Un ejemplo? El puente, estribillo o sección B de “Big Goodbyes”. En un tema cansado y medio folkie de Terry Adams y de repente aparece esa pequeña gran idea nueva que lleva a la canción a otro lado, sorprende y enamora.

Es muy probable que Tapdancin’ Bats no sea el disco ideal para acercarse a la frondosa discografía de NRBQ, la banda sigue en actividad y con un nivel de decencia envidiable, pero sí sirve para darte cuenta de que acá hay madera y de la buena.




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Chequear también:

NRBQ - Kick Me Hard
NRBQ - Grooves In Orbit
NRBQ - High Noon: A 50-Year Retrospective


lunes, 10 de julio de 2017

Tom Waits - Jockey Full of Bourbon



Tom Waits me llegó de niño, junto con Creedence, Elvis y otras cosas que se escuchaban en mi casa, con un cassette que trajo el amigo arty de mi viejo, que viajaba en una moto grande y tenía el pelo largo. Lo escuché y lo odié, tardé veinte años en aceptarlo y que me gustara, como mínimo.

La famosa segunda oportunidad: nunca voy a olvidar la escena inicial de Bajo el peso de la ley de Jim Jarmusch, con ese travelling que va mostrando la casas de Nueva Orleans (¿era en esa ciudad?) al ritmo podrido y voodoo de este temazo. El estribillo... "ey piba, andá para tu casa, se te prende fuego y los chicos están solos" se te mete en la memoria de una vez y para siempre. El riff de guitarra inicial saturado, a medio camino entre Link Wray y los Shadows es otro de los grandes ganchos de un tema enorme.






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Encontrala originalmente en:
El segundo LP de la "etapa Beefheart" de Tom Waits que empezó con el trabajo anterior, Swordfishtrombones. En realidad fue este disco el que lo ayudó a pegarla por estos lares, con edición nacional. Al menos el cassette que me llegó a mi, si mal no recuerdo, era made in Argentina.
Rain Dogs (1985)





jueves, 6 de julio de 2017

Forest - Full Circle


Hubo un tiempo en Inglaterra, a fines de los sesenta y principios de la década siguiente, en que todos creían ser caballeros de las cruzadas, pajes de alguna corte medieval y juglares que se sentaban en la mesa redonda del Rey Arturo. Visto de manera retrospectiva suena ridículo y puede ironizarse al respecto pero la época de oro del folk inglés dejó un verdadero tendal de discos valiosos. De Forest no es mucho lo que se puede decir desde el punto de vista histórico, eran dos hermanos, Adrian y Martin Welham más Derek “Dez” Allenby en mandolina, armónica y percusión. Grabaron dos discos para el mítico sello Harvest, compartiendo grabadora con Deep Purple, Kevin Ayers y Pretty Things, para no hacerla demasiado larga con los nombres.

Los dos discos de Forest tienen algo, un cierto halo de misterio que los eleva de sus contemporáneos, que los diferencia claramente. ¿Será la tan mentada “magia”? ¿Por qué no? Estos tipos creían en duendes, en elfos y faunos y si no creían te lo hacen creer porque lo transmiten y a la perfección. No fueron los inventores del género, quizás esa etiqueta le quede como anillo al dedo a Incredible String Band o a algún otro, pero sin duda alguna ayudaron a definir el sub-género, estaban creciendo en público junto con el resto de sus compañeros y compartían cartel, público y escenarios.

Full Circle, el segundo LP de estudio, tiene una variedad estilística inédita para un género más bien cerrado, poco tiene que ver “Hawk the Hawker”, el primer tema y una de las grandes canciones de la historia del folk inglés, con “Do Not Walk In the Rain”, otro de los grandes momentos del álbum, más cantado, con deliciosas armonías vocales, hermoso acompañamiento de piano y unas guitarras extraordinarias. “Much Ado About Nothing” comparte título con la obra de Shakespeare y deja entrever cuáles eran los intereses temáticos de los miembros de Forest. “Nada es revelado. Incluso las preguntas se ignoran. No esperes respuestas de mí”. Definitivo. “Graveyard”, de cinco minutos y medio, uno de los temas más largos, es un resumen perfecto de lo que podían lograr en sus mejores momentos, con cambios de ritmo, un buen puñado de ideas y buenos arreglos instrumentales.

Es uno de esos discos que cierran por todos lados, incluso la tapa da una idea muy aproximada del contenido de Full Circle. Si te gusta el también llamado acid folk lo vas a considerar imprescindible, si no te gusta dejalo pasar tranquilo y seguí viendo tele y si no lo conocés, bueno… nunca es tarde.




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Chequear también:
Mushroom - Early One Morning
Lindisfarne - Dingly Dell
Circulus - The Lick On the Tip of an Envelope Yet to Be Sent

martes, 4 de julio de 2017

Video de la Semana: of Montreal - Famine Affair



False Priest es el décimo disco de estudio de of Montreal, la banda de Kevin Barnes y compañía, sale en el 2010 y contiene este tema. El video es una película corta.





sábado, 1 de julio de 2017

5 Canciones 5: The Kinks


Artificial Man

De principios a mediados de los setenta es la etapa "conceptual" de los Kinks, Soap Opera, Schoolboys In Disgrace (que por suerte fue el último) y los dos Preservation Act. En el segundo, uno de los discos menos queridos por la considerable base de fanáticos que tienen hoy, está esta belleza de mas de cinco minutos, con unos cuantos cambios de dirección y la teatralidad y el aire épico que tanto obsesionaba a Ray Davies en aquellos años. Como toda gran banda, en cualquier disco que agarres vas a encontrar temas valiosos, en Preservation Act 2 no es fácil, pero los tiene, por supuesto.

Aparece originalmente en: Preservation Act 2 (1974)

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So Long

El segundo LP de estudio se grabó a las apuradas, para tratar de cosechar el éxito de "You Really Got Me", con Ray componiendo muchas veces en el estudio, antes de ponerse a grabar. A pesar de eso tiene evidentes muestras de talento y ya es claro que Ray Davies se perfilaba para ser uno de los grandes escritores de canciones del siglo veinte. ¿Qué es "So Long"? ¿Una especie de bossa nova pop? ¿Una balada contemplativa y melancólica? Es un tema diferente, de alguien que estaba tanteando el agua antes de zambullirse, claramente.

Aparece originalmente en: Kinda Kinks
(1965)

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Prince of the Punks

Tom Robison, el de "Glad to Be Gay" había tenido algo que ver con Ray y la grabación de un disco que fracasó estrepitosamente. Robinson lo quiso joder en un concierto y Mr. Davies no lo perdonó, decapitándolo violentamente en este lado B de otro gran tema olvidado de los Kinks, el excelente "Father Christmas". De más está decir que no hay nombres propios, conviertiendo a la canción en una observación más generalizada del movimiento punk, los falsos acentos de clase trabajadora y los que suben sin dudar al transporte que mejor los deja.

Aparece originalmente en:
Cara B de Father Christmas [single de 7"] (1977)

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Susannah's Still Alive

Dave Davies quiso ser solista desde el principio, en plena era psicodélica era una fija en los clubes londinenses en donde se juntaba la crema del pop británico, mientras Ray cambiaba pañales (el muy turro le escribió "Two Sisters" al respecto). "Susannah's..." fué su primer single por fuera -relativamente hablando- de los Kinks y es un temazo. La cara B era "Funny Face" y ese sí que aparecía en Something Else By the Kinks, casi al final de uno de los LP más queridos de la banda.

Aparece originalmente en:
single de 7" (1967)

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Young Conservatives

Se puede decir que todos los que escuchan Kinks y no escucharon, no conocen o no les gustan los discos de la etapa New Wave no son fans verdaderos. O se los podría llamar "fans clase B". Estos discos están llenos de grandes canciones. El primero de esos sería Sleepwalker del '77, aparecido en plena efervescencia del punk. En esta joya olvidada el sonido es otro, acorde a los tiempos y puede espantar a los obsesivos de la etapa clásica pero no hay que perderse los dardos afilados de Ray para la nueva clase emergente: los yuppies, los nuevos jóvenes conservadores.

Aparece originalmente en: State of Confusion
(1983)

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