viernes, 20 de octubre de 2017

Monsters of Folk - ídem


Supergrupos. Se puede polemizar un rato… ¿sirven para algo? ¿Aportan, valen la pena? O son simplemente músicos divirtiéndose y haciendo facha. En realidad el concepto es un poco anticuado si se quiere. Era muy común en la década del setenta, cuando músicos de bandas que se iban desintegrando se juntaban con otros en la misma condición y hacían un disco, a lo sumo dos, con resultados más o menos olvidables.

No es el caso de Monsters of Folk, dos vienen de Bright Eyes; Connor Oberst y Mike Mogis, está M. Ward que siempre fue solista y tuvo bastante éxito con el dúo chica / chico She & Him y por último Jim James de My Morning Jacket, una de las grandes bandas de los últimos años, continuadores de aquella “música cósmica americana” iniciada hace ya varios años por Gram Parsons con los Byrds primero y los Flying Burrito Brothers después.

Hasta ahora hicieron solamente este disco homónimo en el ’09 y, a diferencia de lo que suele suceder, Monsters of Folk es un gran disco. Tiene la gran virtud de unificar a tres compositores bastante diferentes entre sí, hacer que las canciones de cada uno formen parte de un todo uniforme, cohesionado. Quien conozca la obra de las partes separadas podrá detectar con relativa facilidad a quién pertenece en realidad cada una de las canciones, a pesar de los engañosos y democráticos créditos compartidos. “Whole Lotta Losin’” es claramente de M. Ward, es su habitual relectura del rock nerd de los cincuenta, Buddy Holly a la cabeza. El que sigue, “Temazcal” no puede ser de otro que de Oberst, quien en sus discos suele tener problemas de auto-edición y saca casi todo lo que compone, acá sale ganando. “The Right Place”, el que viene es de James, claramente, no sólo porque es el encargado de la voz líder, lleva su huella en todo sentido. Se deben haber divertido mucho grabando este disco y se nota, a pesar de que hay cierta melancolía inevitable viniendo de quienes viene, el disco tiene una onda festiva y jodona que lo diferencia de los trabajos por separado de los miembros. En el medio hay temazos como “Losin to Head” o el encargado de abrir, “Dear God (Sincerely M.O.F.)” e incluso los rellenos no son evidentes, por oficio, por estar hechos con ganas y grabados con todo lo que esta gente tiene a mano, que no es poco.

¿Los Traveling Wilburys de la era moderna? Ahí hay otro ejemplo de supergrupo que funcionó, que dejo algo más que unas buenas fotos de vejetes abrazandosé y sonriendo para la ocasión. Podría ser… ¿Por qué no?





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Chequear también:
M. Ward - Transfiguration of Vincent
My Morning Jacket - It Still Moves
Bright Eyes - I'm Wide Awake It's Morning


martes, 17 de octubre de 2017

Video de la Semana: The Afghan Whigs - Debonair



TEMAZO de un DISCAZO; Gentlemen, cuarto disco de los Afghan Whigs, del '93.





viernes, 13 de octubre de 2017

Die Toten Hosen - New Guitar In Town



¿A cuantos habrán mandado a la disquería a buscar los originales los Die Toten Hosen? Eran tiempos de pre-internet, te tiraban una data invaluable. Ibas al Parque Rivadavia o a las cuevas de Belgrano y veías los discos de los Damned a precios privativos. Tardé un año en "entender" el primer disco de ellos (todo lo nuevo siempre cuesta) y otros diez en hacerme con la discografía básica.

Este es impresionante, a pesar de que el resto de los temas de los Lurkers no me dice absolutamente nada. Llega un pibe con una guitarra nueva al pueblo, todos enloquecidos, por supuesto. Hermosos cambios de acordes, estribillo inolvidable. Perfección.





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Encontrala originalmente en:
¿Cómo te ibas a enterar de la existencia de The Adverts si no era por este disco? La revista Madhouse podría ser la otra, quizás. Sham 69, UK Subs, The Boys, Vibrators, Eddie & the Hot Rods... un disco para avivar giles. Como yo.
Learning English, Lesson One (1991)





miércoles, 11 de octubre de 2017

Kubero Díaz y La Pesada - ídem


Una teoría paranoide: hoy en dia, tipos como Alejando Medina y Miguel Cantilo serían enemigos, o se mirarían con desprecio. En épocas de desunir ante la menor desigualdad el bajista de Manal y el capo de Pedro y Pablo, estarían distanciados y se criticarían mutuamente. Acá no, acá estaban juntos y unían fuerzas para hacer un disco. Alguna vez Claudio Gabis contó que los discos de La Pesada los hacían de manera totalmente informal, para generar algún que otro dinerillo extra para “parar la olla”, con los derechos de autor y las ventas. Las ventas que pueden haber llegado a tener estos discos plantean un interrogante pero no deben haber sido muchas porque es muy difícil encontrarlos en las bateas de discos usados y en buen estado es prácticamente imposible.

El de Kubero Díaz es uno de esos discos que impresionan, en más de un sentido. La asombrosa variedad musical, la calidad de las interpretaciones, el nivel de vuelo creativo… incluso la calidad de grabación es más que aceptable en una época en que en Argentina había un cierto desfasaje en cuanto a equipamiento y conocimiento de técnicas de audio.

“Colgado de las nubes”, el tema que cierra el LP es uno de los picos altos y un ejemplo perfecto para definirlo, pasa por varios estadíos, hay un interesante puñado de ideas musicales muy bien acomodadas, está bien cantado y arreglado, incluye una furibunda zapada psicodélica e incluso aparece el gran Jorge Pinchevsky con su violín mágico, aportando un toque extra que aporta y mucho. Otra cosa que llama la atención de los discos de La Pesada en general es que había cierto atrevimiento que en los trabajos de las respectivas bandas “oficiales” de los miembros no siempre aparecía, tenían más espíritu de aventura, menos miedo al error, quizás por tratarse de música que no iba destinada a consumo masivo, por las drogas que tenían encima o vaya uno a saber. “Todo es todo” es un rock duro y podrido que bien podría haber estado en los discos de Hawkwind de la era Lemmy y los temas más acústicos no tienen nada que envidiarle al Pink Floyd pre-Dark Side of the Moon, los de More o Obscured By Clouds.

Si pudieron llevar el pan a la mesa no lo sabremos y tampoco importa demasiado, lo cierto es que los discos de La Pesada se buscan hoy en día incluso en países angloparlantes y están siendo de a poco reeditados tanto en CD como en LP. Tienen méritos de sobra.





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Chequear también:
La Pesada - Buenos Aires Blus
Billy Bond y La Pesada - Vol. 2
Man - Back Into the Future

lunes, 9 de octubre de 2017

jueves, 5 de octubre de 2017

Bridget St. John - Thank You For...


Qué bueno mirar los créditos de los discos. Gracias a ellos te podés enterar de cosas que de otra manera hubieran pasado desapercibidas, son enlaces directos para ir a otros lugares, ver quiénes son los músicos que tocaron, quien comparte los créditos de composición… en “Fly High”, uno de los grandes temas de Thank You For… como co-autor figura R. L. Stevenson, la pluma detrás de La Isla del Tesoro y otras novelas de aventuras.

También se puede decir que hace falta ver los créditos para reconocer las versiones del tercer LP de estudio de Bridget St. John. Casi al final hace uno de los temas más hermosos de Buddy Holly, “Everyday”, en una versión prácticamente irreconocible pero igualmente trascendental, se apropia cien por ciento de la canción. Y lo mismo hace con uno de los temas más versionados del principio de la carrera de Dylan, “Love Minus Zero / No Limit” deja de ser un tema de Dylan para convertise en uno casi propio. Pero no sólo de versiones está hecho este asunto, los originales, que son mayoría, son de una factura impecable.

Thank You For… es el disco más pop de Bridget St. John, los dos primeros se pueden inscribir sin miedo en la categoría folk inglés de fines de los sesenta / principios de los setenta. Si bien son discos con personalidad y autoridad, en este tercer trabajo se puede decir que hace alguna que otra concesión para sonar más radiable, más apta para todo público. El disco sale por Dandelion, un sello ultra hippie (en más de un sentido) fundado por el mítico DJ inglés John Peel y su manager, armado en su momento para sacar al mercado a esta artista y que tuvo en su breve existencia a Kevin Coyne, Supersister y hasta a Gene Vincent. Se puede establecer un paralelo entre Bridget St. John y el primer LP solista de Nico, la cantante del disco de la banana de Velvet Underground, las voces tienen una similitud sorprendente,  aunque la inglesa tiene más dominio y técnica que la alemana, los timbres son muy parecidos. También el tipo de canciones coinciden hasta cierto punto. Temas que invitan a mirar el horizonte, replantearse errores, escuchar arreglos de cámara y una producción general muy cuidada.

Bridget St. John nunca pasó de ser una artista de culto, como la mayoría de los protegidos del muy querible John Peel, un tipo al que no le importaba el vil metal y siempre ponía por delante lo que le gustaba. Como nosotros, se podría decir.





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Chequear también:
Bridget St. John - Songs for the Gentle Man
The Way We Live - A Candle for Judith
Tractor - idem

martes, 3 de octubre de 2017

5 Canciones 5: Tom Petty


Big Weekend

La especialidad de Tom Petty siempre fue hacernos creer que lo que hace es de una sencillez agobiante, simple, casi tonto incluso. Pero prueben hacerlo en casa. ¿A cuantos vimos fracasar estrepitosamente en un intento de imitarlo? Muchos, muchísimos. "Big Weekend" es escapismo rockero del más puro y duro, "necesito un gran fin de semana para olvidarme de todos los problemas". Lo que le pasa a millones de personas. Imposible no conectar.

Aparece originalmente en: Highway Companion (2006)

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Free Girl Now

El disco de divorcio por excelencia de Tom Petty, su Blood On the Tracks y sí, hay dolor en sus surcos... pero también hay mucho rock 'n' roll, la forma elegida por millones de habitantes del planeta tierra para exorcizar demonios de todo tipo. Tres acordes, cuatro como mucho, mucha onda, mucha energía, huevos, una letra más o menos acomodada para la ocasión... no hace falta mucho más para hacer el mejor rock.

Aparece originalmente en: Echo
(1999)

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Cracking Up

¿Una versión en una lista de cinco temas de uno de los mejores escritores de canciones de los últimos veinte o treinta años? En realidad, más que un cover es una devolución de gentilezas. Nick Lowe había hecho "Craking Up" en Labour of Lust, que -junto a Jesus of Cool- era un disco camaleónico, en donde probaba que podía componer en el estilo que se le antojaba. El estilo de este tema en particular, tenía no poco que ver con el de Tom Petty y sus Heartbreakers.

Aparece originalmente en:
Labour of Love: The Music of Nick Lowe (2001)

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Stop Draggin' My Heart Around

La cantante de Fleetwood Mac para este entonces era una diva, después del éxito arrasador de Rumours, habían hecho un disco doble rarísimo -el gran Tusk, por supuesto-  y quería probar suerte como solista. La compañía le decía que le faltaba un hit. Tenía para elegir entre éste e "Insider", que terminó saliendo en el fundamental Hard Promises. Acertó. Uno de los temas más versionados de Tom Petty (Sharon Van Etten, Neko Case, etc.)

Aparece originalmente en:
single de 7" / Bella Donna (1981)

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Climb That Hill

La banda sonora de la película She's the One es uno de los discos más injustamente olvidados de Tom Petty, tiene algunos de los sonidos de guitarra más filosos y sucios de todos los que han grabado los Heartbreakers. "Climb That Hill" es un ejemplo perfecto, rockea durísimo, con un riff de dientes apretados. Me tomé el trabajo de ver la película para ver estos temazos con imágenes. Practicamente ninguno suena y la película es un verdadero bodrio.

Aparece originalmente en: She's the One [banda sonora oficial]
(1996)

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lunes, 2 de octubre de 2017

Video de la Semana: Heavy Trash - I Want Oblivion



Que gran idea para hacer un video con dos mangos. Del segundo, Going Way Out with Heavy Trash.





lunes, 25 de septiembre de 2017

Disco del Mes: The Band of Blacky Ranchette - Still Lookin' Good to Me


The Band of Blacky Ranchette
Still Lookin' Good to Me
2003










Thrill Jockey










jueves, 21 de septiembre de 2017

Grant Hart - Intolerance


Un ruido seco, raro y distorsionado que dura unos veinte segundos da paso a una batería y un riff sórdido, medio bailable, medio Depeche Mode. Casi en seguida entra la voz, gastada, cansada, prácticamente recitando la letra y otra voz atrás en la mezcla, armonizado: “dijiste que eras sensible, bueno, advierto, esa es la forma en que quiero que vivas, estoy usando todos mis sentidos”. Así arranca “All of My Senses”, la primer canción de Intolerance, el primer LP como solista de Grant Hart, ex-baterista y mitad compositiva de una de las bandas más importantes e influyentes de la década del ochenta: Hüsker Dü.

Con Bob Mould, su anterior socio, habían redefinido para siempre la escena de Minneapolis, con Replacements y Soul Asylum a la cabeza, usaban las guitarras en once como escudo contra el mundo. Lo que muy poco después cosechó Nirvana y todos los que vinieron atrás, cuando el underground se fue para arriba de una vez y para siempre. Grant Hart era experto en convertir el sufrimiento en grandes canciones, era gay en un momento en que todavía estaba casi prohibido y era tan pobre de chico que solamente tenía plata para comprarse discos simples, de hecho con Mould se conocieron en una disquería y no se separarían en los siguientes diez años. Pero volvamos a Intolerance que es lo que hoy nos atañe.

El temazo “Fanfare in D Major (Come, Come)”, los ganchos en “Now That You Know Me”, los silbidos en "You're the Victim"… los famosos instintos pop de Hart, que antes eran -más de una vez- reprimidos por sus ex compañeros de banda, están a flor de piel en este disco. Son canciones pop perfectas, lo que siempre buscó. Ya lo tenía claro en “Pink Turns to Blue”, de la ópera rock punk por excelencia Zen Arcade, lo que volvería a intentar en “Books About UFOs”, debajo de todo el ruido y la mugre de New Day Rising o en la hermosa y clásica “Don’t Want to Know If You Are Lonely” de Candy Apple Grey. Se puede decir que Hart siempre fue el Paul McCartney de Hüsker Dü y que Intolerance es su Ram, en donde finalmente puede hacer todo lo que se le da la gana.

No es el único gran disco de Grant Hart, por supuesto, a pesar de no ser tan prolífico como Mould ha hecho cosas fundamentales como el primer disco de Nova Mob o el ambicioso The Argument, su último trabajo de estudio. Bienvenido a la verdadera inmortalidad absoluta.




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Chequear también:
Hüsker Dü - Warehouse: Songs and Stories
Grant Hart - Good News for Modern Man
Nova Mob - The Last Days of Pompeii



lunes, 18 de septiembre de 2017

5 Canciones 5: Grant Hart, Fred McDowell, Concrete Blonde, Mojave 3, Pinetop Seven


Shine, Shine, Shine
Grant Hart
The Argument es el canto de cisne, el Ulises de alguien que difilmente sea olvidado, Grant Hart. Además de componer practicamente la mitad de las canciones de Hüsker Dü con Bob Mould, claro. The Argument es su versión rockera de El Paraíso Perdido de John Milton pero no se asusten que los instintos pop de Hart están intactos, sobre todo en esta canción perfecta y melancólica. Lo despedimos cantando a coro: "y brillarás, brillarás, brillarás como una estrella arriba". Amén.

Aparece originalmente en: The Argument (2013)

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Jesus Is on the Mainline
Mississippi Fred McDowell
Cuando el blues volvió a tener el reconocimiento que nunca debió haber perdido, a fines de la década del sesenta, muchos músicos históricos del delta del Mississippi tuvieron la oportunidad de volver a grabar y algunos hicieron sus primeros LP recien en esta segunda oleada. Este es un ejemplo perfecto de blues de raíces puro y auténtico, al mejor estilo Son House o Skip James, un clásico que más tarde versionaría Ry Cooder.

Aparece originalmente en: I Do Not Play No Rock 'n' Roll (1969)


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Everybody Knows
Concrete Blonde
Uno de los grandes temas de Leonard Cohen fue versionado por Concrete Blonde para la serie Dirty Sexy Money, con Donald Sutherland. El cover, hay que decirlo, la rompe, más allá de que te guste o no Johnette Napolitano, la cantante con una voz (y una personalidad) muy particular. El video muestra que esta época envejeció bastante mal, los peinados de los personajes de la serie, los de la banda mejor ni hablar... pero la música; impecable.

Aparece originalmente en: Ghost of a Texas Ladies' Man [single, 7"] (1992)


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Got My Sunshine
Mojave 3
Gran demostración de cómo hacer un tema de folk engañosamente sencillo que va creciendo y desarrollándose lenta y perezosamente hasta convertirse casi en una pieza a toda orquesta a la manera del Phil Spector más barroco. Este temazo brillante, cristalino y luminoso aparece cerrando el tercer disco de estudio de los ingleses Mojave 3, la banda de Neil Halstead, también conocido como el alma máter de los fundamentales Slowdive. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Excuses for Travellers (2000)


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Empty Hands and the Long Walk Home
Pinetop Seven
En este momento se me ocurren solamente dos bandas-ejemplo de temas instrumentales que valgan la pena; Calexico y los Sadies. Por lo visto habrá que agregar a Pinetop Seven a la lista. Esto es una mezcla de Morricone, cine negro, western y música clásica de fines del siglo XIX. Es una de las pocas canciones sin voces del segundo -gran- disco de estudio de esta banda de Chicago, Illinois.

Aparece originalmente en: Rigging the Toplights (1998)


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jueves, 14 de septiembre de 2017

Video de la Semana: The Sadies - Through Strange Eyes



Los hermanos Travis y Dallas Good, Mike Belitsky y Sean Dean tienen disco nuevo (salió a principios de año) se llama Northern Passages y tiene el nivel de siempre, es decir; impecable.





martes, 12 de septiembre de 2017

Mellow Drunk - Always Be Drunk


Todas las grandes bandas están sobrevaloradas. Todas, sin excepción. Beatles, Stones, Led Zeppelin, Blur, Nirvana, Sex Pistols, etc. Todas tienen muchísima prensa, se ha escrito muchísimo de ellos y, esencialmente, el fan promedio es el primero en valorar en demasía al endiosar una banda y creer que todo lo que hacen es sublime. En realidad, si agarramos cualquiera de estas bandas podemos ver que lo que hicieron y es extraordinario en general es bastante poco y el resto es más o menos cumplir, o zafar.

Del otro lado están las bandas chicas, las que no salen en ningún lado y son eternamente subvaloradas. De estas está lleno y muchas veces entran en esta categoría… merecidamente. Pero otras, como Mellow Drunk no lo merecen. Son muy pocos los que logran un disco completamente sólido, atemporal, repleto de buenas canciones y Always Be Drunk es uno de esos. Lo de “siempre hay que estar borracho” viene de Baudelaire, Leigh Gregory es uno de esos tipos que han leído mucho y eso se nota en las canciones que, rara vez, suelen ser personales. El tipo proyecta y estudia personajes y se ha encargado de afirmar que “es muy difícil encontrarme en las canciones, la auto-referencia no es lo mío”.

El primer temazo del disco aparece de la mano de “Everybody Knows You’re a Star”, un medio tiempo muy al estilo de Crazy Horse, con guitarras podridas al punto justo, con una voz susurrada como la de Steve Kilbey de The Church o cualquiera de los dos cantantes de Suede. En la sección anterior al estribillo hay un cambio de acorde que te descoloca y te hace desear que llegue el alivio. Está repleto de solos de guitarra bien mugrientos, sin virtuosismo pero muy musicales, líricos, dura cinco minutos y pico pero podría seguir un buen rato. El resto de las canciones se mueve -de manera muy cómoda, hay que decirlo- en esa línea; canciones. Canciones redondas, sin fisuras, con una pátina evidente de melancolía, como la foto de tapa, que refleja perfectamente lo que contiene. Tiene también el ineludible cover fino de la mano de “Long Drawn Sunday Night” de los escoceses The Orchids, una suerte de Belle & Sebastian no tan amables.

Lo de Mellow Drunk pegó bastante por el lado de los músicos, como suele pasar en estos casos, con Marty Willson-Piper invitándolos a tocar cuando su banda fue a San Francisco o Dean Wareham de Luna declarándose fan y tocando con The Jazz Butcher y Johnny Thunders. Mellow Drunk; un “tapado” de los buenos.




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Chequear también:
The Walkabouts - Ended Up a Stranger
Mellow Drunk - Never Sleep at Night
The Jayhawks - Sound of Lies


jueves, 7 de septiembre de 2017

Willie Dixon - I Am the Blues


Pocos han hecho tanto para el desarrollo de la música moderna como este hombre. Como parte del equipo estable del sello Chess de Chicago, produjo, compuso, arregló y tocó en más canciones que las que se han podido documentar, una buena porción fueron temas compuestos por él mismo y se cree que es autor de unas quinientas piezas, aproximadamente.

A pesar de que venía trabajando activamente y a esta altura era sinónimo de calidad, I Am the Blues, aparecido en 1970, es recién el sexto disco de estudio de Willie Dixon como solista, con su nombre en la tapa, por extraño que parezca. Es que lo suyo no era el estrellato, de hecho llegó a la gran ciudad para triunfar como boxeador, en donde no le fue del todo mal, pero lo suyo, claramente, estaba en otro lado. A fines de la década del sesenta debe haber sentido la necesidad de reclamar lo que era suyo, el blues que ya tenía unos cuantos años, estaba otra vez de moda. Se habían grabado infinidad de versiones de sus temas y era el momento perfecto para mostrar cómo era que se hacían las cosas.

Un vistazo a la contratapa de I Am the Blues, a la lista de temas, sobra para ver que estos son los temas que forman parte del canon imprescindible del género, varios fueron grabados por primera vez por el gigante Howlin’ Wolf (en este disco toca su fiel guitarrista, Hubert Sumlin), otros tantos por Muddy Waters y no faltan las versiones de bandas más actuales, como The Doors, Rolling Stones y Led Zeppelin. La banda de Page, Plant y compañía incluso tuvo un pequeño desliz al no darle el crédito correspondiente al bluesman por “You Shook Me”, del primer LP homónimo de los ingleses, cosa que se corrigió con los años después de no pocos litigios legales. El disco abre con una poderosa versión de “Back Door Man”, uno de sus grandes temas, con un sonido moderno, adaptado a la época y con un Dixon en muy buena forma como cantante. ¿Por qué será que una música en apariencia sencilla y sin demasiados rebusques suena tan bien en manos de sus intérpretes originales y no tan bien (por no decir pésimo) en manos de gente que se acerca al género de manera irrespetuosa o despreocupada? Están quienes creen que esta música es puro sentimiento, que se lleva en la sangre y demás explicaciones de tipo metafísico y a la hora de escuchar y hacer comparaciones puede ser que algo de eso haya.

En vez de preocuparnos y hacernos preguntas sin respuesta mejor escuchar el solo de piano de “I Ain’t Superstitious”, uno de los temas enormes de la música popular del siglo veinte. También de la pluma de Willie Dixon, por supuesto.




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Chequear también:
Willie Dixon - Catalyst
Magic Sam Blues Band - West Side Soul
Muddy Waters - After the Rain

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