martes, 17 de enero de 2017

Dr. John - In the Right Place


Si Lou Reed es Nueva York, Caetano es Bahía y Ray Davies Londres entonces Mac Rebennack, más conocido como Dr. John es Nueva Orleans. En ese punto del universo en donde la música es un cóctel explosivo de soul, música de África, blues, voodoo, música criolla y todo lo que se te venga a la mente, alguien supo entender y mezclar todo los géneros y supo hacerlo con categoría y mucho conocimiento de causa.

Habían pasado varios años desde Gris Gris, aquel bombazo de rock pantanoso del infierno con el que pateó el tablero y se ganó la inmortalidad definitiva, no era un disco para intentarlo en casa, te podía explotar en la cara y quizás por eso debe haber evitado hacer lo mismo, auto-plagiarse. Estaba bien así. The Sun, Moon & Herbs y Babylon tienen un poco de esa magia negra pero ya se veía venir por donde iba a venir el trabajo musical de Dr. John en la década del setenta. Alguien tuvo la gran idea de juntarlo con The Meters y de esas sesiones surge su sexto LP de estudio, In the Right Place, el disco más exitoso comercialmente de su carrera.

Ayuda el hecho que de que para este disco había preparado un set de canciones impecable (“Qualified”, “Such a Night”), si a las composiciones se les suma el valioso aporte de los Meters, Allen Toussaint y demás luminarias que anduvieron dando vueltas a la hora de las sesiones, el resultado es prácticamente inapelable. Seguramente no somos pocos los que conocimos “Right Place Wrong Time” por el disco Acme de Jon Spencer Blues Explosion, pero escuchar el original, encargado de abrir el disco, es otra historia, muy diferente, esto es la “cosa real”, el meollo de la cuestión. "I Been Hoodood", casi al final, es uno de los momentos cumbre; lento, demoníaco, con coros femeninos que ayudan a enrarecer la atmósfera y con el maestro rompiéndola en las teclas, siempre priorizando el clima y el trabajo en pos de la canción.

Puede que In the Right Time no sea el disco más importante o influyente de Dr. John, es un asunto para el debate eterno y son demasiados los candidatos, pero si vas a tener cuatro o cinco discos de un tipo fundamental en la historia y el desarrollo de la música del siglo veinte, a este lo vas a tener que escuchar.




Escuchar entero en Spotify o en YouTube.





Chequear también:

Dr. John - Goin' Back to New Orleans
The Meters - Cabbage Alley
Dr. John - Locked Down

lunes, 16 de enero de 2017

Video de la Semana: Graham Parker - Protection



Uno de los dos videos que se hicieron para el disco Squeezing Out Sparks (el otro era "Local Girls").





jueves, 12 de enero de 2017

Tom Petty and the Heartbreakers - Free Girl Now


Como casi cualquier habitante de este planeta conocía a Tom Petty antes de escuchar sus discos, por los Traveling Wilburys, por sus temas omnipresentes en ciertas radios y porque el tipo es sencillamente muy famoso. Me acuerdo que en una disquería en que yo trabajaba había escuchado un comentario muy peyorativo (cuando todavía me importaban este tipo de cosas) de alguien que respetaba y por eso tardé y me resistí a escuchar sus discos. Mas vale tarde...

Este es un temazo, no tiene miedo de pecar de cuadrado repitiendo la misma secuencia de acordes a lo largo de casi todo el tema, creo que ese miedo existe acá solamente. Cuando la base rítmica es sólida como una roca y te dan ganas de bailar... ¿por qué resistir el impulso? Como cualquier compositor inteligente sabe que esa monotonía necesita un cambio de idea y cuando finalmente llega te descoloca, te hace feliz, te da motivos para volver a escuchar.






Este tiene video oficial en YouTube.




Encontrala originalmente en:
No son muchos pero este es uno de esos discos que pedí prestados y sabía inmediatamente que jamás lo iba a devolver. Ya en su momento no era fácil de conseguir. El damnificado fue un ex-compañero de trabajo fanático de The Cult. Se lo merecía. Este es para mi gusto el último gran disco de Tom Petty.
Echo (1999)





martes, 10 de enero de 2017

The Costello Show - King of America


Es raro, ves la tapa de Punch the Clock del ’84 y después la de King of America, aparecido apenas dos años después, y la diferencia es abismal. En el primero parece un pibe de unos veinticinco años como mucho y para el segundo luce como un tipo de al menos cuarenta años, con la barba y la corona horrible esa. ¿Qué paso en el medio? Bastante, el matrimonio de Costello venía barraca abajo y en la gira anterior había conocido al gran T-Bone Walker, otro “tradicionalista moderno” si es que tal término existe. Hicieron buenas migas y armaron una banda (The Confederates) con lo que Costello llamó “mis viejos héroes del jazz y el R&B”, entre ellos podían contarse al bajista Jerry Scheff (el que grabó en todo el disco L.A. Woman, de los Doors), al baterista Ronnie Tutt e incluso al gran James Burton, todos ellos habían tocado en la banda del otro Elvis en Las Vegas, a principios de la década anterior.

Pero lo que hace de King of America un gran disco son sus canciones, no su interminable galería de invitados, acá Costello tiene el corazón roto, está sufriendo y se para desnudo frente a quien quiera oírlo, aun así conserva el ojo clínico y el insulto mordaz intactos, listos para salir de su filosa lengua. Este es el disco que tiene “Indoor Fireworks”, una de sus canciones más honestas y descarnadas, la producción es exactamente lo que tiene que ser y su interpretación vocal tiene lo que no tienen las incontables versiones que se han hecho, incluyendo una muy notable de Robert Wyatt. Los Attractions aparecen solamente en “Lovable”, el segundo tema, en donde también hay un cameo de David Hidalgo de Los Lobos en coros, pero no hay -a decir verdad- nada que lo distinga demasiado del resto de las canciones, nada que diga “acá estamos”. Igual está lejos de ser un disco chato o uniforme, inmediatamente después aparece “Little Palaces” que tranquilamente podría ser un tema de folclore andino. ¿Otras joyas de la pluma de Declan MacManus? “Jack of All Parades”, “Our Little Angel” sin dudas y por supuesto la impecable “American Without Tears” en donde muestra su relación de amor / odio con el país arriba del Río Grande.

Columbia no supo bien qué hacer con King of America y cortó como single la versión imposiblemente afónica de “Don’t Let Me Be Misunderstood” y en menos de un año estaban los Attractions otra vez juntos para el disco de retorno a las raíces Blood & Chocolate. Otra historia que queda pendiente y van…




Escuchar online en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
Gram Parsons & the Fallen Angels - Live 1973
Emmylou Harris - Luxury Liner
Elvis Costello & the Attractions - Almost Blue

jueves, 5 de enero de 2017

Bunny Wailer - Blackheart Man


No faltan quienes creen que el motivo por el cual Marley fue el primer jamaiquino en alcanzar el estatus de super estrella mundial fue que no era negro, su mestizaje fue un factor definitivo para la aceptación y, a pesar de que la premisa no es descabellada, el factor clave en realidad fue su inmenso e indiscutible talento. Agarrá cualquier compilado de Marley, dalo vuelta para leer los títulos y te vas a encontrar con al menos cinco o seis himnos generacionales. Los Beatles tienen unos diez, los Stones tres o cuatro… ¿quiénes pueden jactarse de ostentar semejante record? Ese papel de embajador musical... ¿Podría haber sido ocupado por Peter Tosh? Jamás. Demasiado indisciplinado y adepto al auto boicot. ¿Y Bunny Wailer? Podría haber sido, posiblemente. Talento no le faltaba. Una escucha a Blackheart Man lo deja muy claro.

Este es su primer LP como solista después de su partida del grupo que se volvería furor al mismo tiempo que este disco estaba siendo prensado. Se nota que Chris Blackwell (del sello Island) le tenía fé a las canciones porque está muy bien grabado, hay por lo menos seis o siete músicos en cada tema, y a pesar de que los créditos le atribuyen la producción al artista que figura en la tapa, es claro que contaron con la ayuda de arregladores, sobre todo para los bronces y cuerdas. Para ser un disco de reggae de raíces tiene una variedad musical y estilística sorprendente, los tempos y ritmos varían de manera decisiva entre tema y tema, mostrando a las claras que el disco fue secuenciado y pensado para ser consumido como tal, es decir; entero. Cabe recordar que la segunda mitad de la década del setenta fue probablemente la que marcó el apogeo del LP como formato.

Es llamativo el contraste entre mensaje y medio de Blackheart Man (y el reggae en general) pero es notable lo que pasa en “The Oppressed Song” con un dardo político muy directo y sin vueltas, mientras que la música es arropadora y reconfortante, lo mismo que pasa en “Armagideon (Armagedon)” y sus arreglos de melódica -sí, el mismo que tocaba Augustus Pablo y que ahora está otra vez de moda- condimentados por unos arabescos de flauta que son una delicia. Si mirás los créditos con atención verás a la flor y nata de la música jamaiquina; Peter Tosh, Robbie Shakespeare que la rompe en el bajo de “Fig Tree”, el propio Marley y los hermanos Aston “Family Man” y Carlton Barrett.

Está lleno de discos de reggae roots de primer nivel pero pocos llegan a las cotas alcanzadas por Blackheart Man, el primer LP como solista de Bunny Wailer. A rolar se ha dicho.





Escuchar entero en YouTube o en Spotify.





Chequear también:

Bunny Wailer - Rock 'n' Groove
Steel Pulse - Earth Crisis
Misty in Roots - Live at the Counter Eurovision '79


lunes, 2 de enero de 2017

5 Canciones 5: la cosecha '86


Angel of Death
Slayer
La mala publicidad, como todos sabemos, no deja de ser publicidad. Habría que ver si lo pensaron de antemano pero escribir sobre el nazi Josef Mengele provocó controversia en su momento. Tom Araya empieza el tercer disco de Slayer con un grito agudo que pone los pelos de punta, esto es trash metal llevado al extremo absoluto, violencia, velocidad y más violencia. Una nueva forma de hacer música y una nueva concepción acorde a los tiempos que se vivían.

Aparece originalmente en: Reign In Blood (1986)

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A veces llamo
Fricción
¿Por qué Soda Stereo vendió miles de discos y los liderados por Richard Coleman, amigote de Cerati, nunca dejaron de ser una banda de culto? La música es más o menos lo mismo que hacían en la época de Nada personal / Signos, la producción y las voces se parecen muchísimo... ¿Habrán sido decisiones de los managers? Como sea, el primero de los dos discos de estudio de Fricción es un clásico por derecho propio.

Aparece originalmente en: Consumación o consumo (1986)


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Relatin' Dudes to Jazz
fIREHOSE
Mike Watt de los Minutemen arma fIREHOSE (¿las mayúsculas en el nombre serían para diferenciarse del hair-metaleros Firehouse?) a mediados de los ochenta y esta demostración de ensamble y precisión aparece en el disco debut, aparecido en el histórico sello SST. Otros títulos llamativos del disco: "Under the Influence of Meat Puppets" o "Another Theory Shot To Shit". No eran pocos los punks que escuchaban a Captain Beefheart, por lo visto

Aparece originalmente en: Ragin' Full On (1986)


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Greetings to the New Brunette
Billy Bragg
La canción que da el puntapié inicial del tercer disco de estudio de Billy Bragg. The Clash + Woody Guthrie + Margaret Tatcher podría ser la ecuación que da como resultado lo que hace este trovador completamente a tono con la era en que le tocó vivir. Eternamente rechazado por el sexo opuesto (al menos en sus letras) con comentarios y observaciones sociales de tipo quirúrgico, conciencia de clase y un don para la melodía arropadora y melancólica.

Aparece originalmente en: Talking with the Taxman About Poetry (1986)


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Rattlesnake Shake
The Creeps
Disco debut de los suecos The Creeps, una verdadera descarga de rock de garage del mejor, completamente obsesionados con The Seeds, ? and the Mysterians y The Chocolate Watchband. En vez de sonar como una mera copia de los grupos que amaban, los tomaban como punto de partida y hacían algo "moderno", a tono con el momento. Vale recordar que a mediados de los ochenta iban completamente a contramano de lo que se escuchaba a nivel masivo, nombres que ni vale la pena rememorar.

Aparece originalmente en: Enjoy the Creeps (1986)


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domingo, 1 de enero de 2017

Video de la Semana: Spoon - The Underdog



Temazo y gran idea para el video oficial de uno de los mejores temas de Ga Ga Ga Ga Ga, de Spoon.





miércoles, 21 de diciembre de 2016

Tim Rose - idem [4to. LP]


Lo más parecido a algo que lo acerque remotamente a la fama o el reconocimiento es en sí un hecho más bien confuso. “Morning Dew”, su canción más famosa, versionada por un millón de intérpretes y pieza casi obligatoria en los conciertos de los Grateful Dead, no es suya en realidad. Tim Rose la escuchó por Fred Neil, que tampoco era el autor, y grabó su versión en su primer disco de estudio del ‘67, agregó su apellido a los créditos, poniéndolo al lado del compositor; el cantante folk canadiense Bonnie Dobson, a quien dicen que no le gustó nada ver el crédito compartido y muy pocas variantes musicales con respecto al original.

Entre aquel primer disco y éste, también homónimo, pasaron cinco años en que el mundo cambió por completo, ni siquiera hace falta recordarlo. Por lo visto Tim Rose también cambió a la par y, a pesar de que no deja de lado su impronta folkie de cantautor, es claro que estaba con las antenas sintonizadas porque la música refleja una escucha atenta a los cantautores que habían surgido a principios de la década del setenta, a Led Zeppelin e incluso el glam de Bowie, Bolan y compañía aparece de soslayo en algún que otro tema. “You Can’t Keep Me” es la reescritura de "Morning Dew" pero revisitado a los días que corrían, uno o dos acordes, un entramado de guitarras y cuerdas, clima enrarecido sin llegar a ser mórbido o siniestro y el cantante casi recitando, acompasadamente. Vale la pena escuchar la versión que hace del tema de Lennon, aquel de la película Help!, “You’ve Got to Hide Your Love Away”, con un hermoso hammond bien al frente, convertido en una suerte de himno góspel, a pura elegancia. El otro tema archi-conocido de este disco es “If I Were a Carpenter” de Tim Hardin, que debe ser uno de los más interpretados -y muchas veces arruinado- de aquellos años iniciáticos… hay que decir que Rose hace algo muy interesante con la canción, dándole un tratamiento parecido al de “Dazed and Confused” del primer disco de Page, Plant y cia. Mark Lanegan grabó (casi treinta años después) “Boogie Boogie” en su disco de covers I’ll Take Care of You y al escuchar la original no es difícil entender el motivo de su inclusión en su idiosincrática selección. La voz es lo que más cambio en Tim Rose a lo largo de esos pocos años (que en aquel momento deben haber parecido una eternidad), está más cascada, ajada, se ve que hubo excesos y si bien perdió en rango gano claramente en expresividad, cosa que queda claro en “Darling You Were All That I Had” y sobre todo en el tema del final, “Goin’ Down to Hollywood”.

Tim Rose ni siquiera está editado en CD y encontrarlo en su formato original no será tarea sencilla, habrá que probar con el oráculo posmoderno… ¿qué se le va a hacer?




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Chequear también:
Tim Rose - Through Rose Colored Glasses
Grateful Dead - Europe '72
Tom Rush - Wrong End of the Rainbow



jueves, 15 de diciembre de 2016

martes, 13 de diciembre de 2016

5 Canciones 5: Cornell Campbell, The Junipers, Driscoll & Auger, Melvins y Leonard Cohen


Stardust
Cornell Campbell
A pesar de que Cornell Campbell alcanzaría cierto nivel de éxito y reconocimiento un par de años después, acá, en su primer LP de estudio, el dueño de un falsetto envidiable, ya tenía dominio de lo que hacía, trabajando más que nada dentro de lo que se conoce como lovers rock. ¿Cuantas versiones hay de "Stardust" de Hoagy Carmichael? Demasiadas para ponerse a enumerar. Otra demostración cabal de que una gran canción se adapta perfecto a cualquier tratamiento.

Aparece originalmente en: Cornell Campbell (1973)

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Here Come the Winds
The Junipers
Si los Junipers fueran de los sesenta serían considerados sunshine pop (probablemente tendrían que ver con las producciones de Curt Boettcher). Pero son actuales y en todo sentido; la década del sesenta es un punto de partida, no es una banda que intenta sonar retro aunque sus influencias están evidenciadas. Este belleza de canción podría haber formado parte de Rubber Soul si "Norwegian Wood" fuese un tema de Paul McCartney.

Aparece originalmente en: Red Bouquet Fair (2016)


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Honey Bucket
Melvins
Uno de los tres cortes de difusión que tuvo Houdini, aparecido exactamente el mismo día que In Utero de Nirvana. Supuestamente Kurt Cobain "coprodujo" algunos temas pero el mismo Buzz Osborne se encargó de quitarle misticismo a la historia diciendo que "lo tendríamos que haber rajado del estudio, estaba siempre en un estado calamitoso y no ayudó demasiado". Lo que sí importa es el nivel de bestialidad y las cabalgatas metálicas que terminaron quedando registrados para la posteridad.

Aparece originalmente en: Houdini (1994)


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When I Was Young
Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity
Empieza a puro misterio, con Julie Driscoll sonando como el equivalente británico a Grace Slick de los Jefferson Airplane, acorde menor y clima siniestro. De a poco va apareciendo el teclado de Brian Auger y la intensidad va en paulatino aumento. Esto está a la altura de "The End" o cualquier zapada demoníaca de los Grateful Dead de fines de los sesenta ("Dark Star", "The Other One"). La nota que tira Driscoll al final es estremecedora.

Aparece originalmente en: Streetnoise (1969)


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Leaving the Table
Leonard Cohen
2016 será recordado como el año en que despegaron de los mortales dos grandes de verdad; David Bowie y Leonard Cohen. Los dos lo hicieron a lo grande, con sendos discos "de despedida" a modo de broche de oro de carreras irreprochables, los dos sabían que la parca los esperaba. Lenny lo hace a su manera, con clase, sobriedad y sentido del humor. Esta última una de sus facetas menos apreciadas, sobre todo para aquellos que siempre lo tomaron al pié de la letra. Grave error. Con Leonard Cohen siempre hay que leer entre líneas.

Aparece originalmente en: You Want It Darker (2016)


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lunes, 12 de diciembre de 2016

Video de la Semana: Dinosaur Jr. - Going Down



Uno de los discos del año, Give a Glimpse of What Yer Not, sin dudas.





jueves, 8 de diciembre de 2016

The New Pornographers - Twin Cinema


Un riff de guitarras distorsionadas medio al estilo Cheap Trick y unos ruiditos raros de producción que responden, en seguida entran las voces, armonizando, pegajosas, hay un buen puñado de pistas en la grabación, hay gancho y se nota. Cuando el tema frena un poco es cuando aparece algo que se puede categorizar como un estribillo, unos Beach Boys de la etapa de Sunflower y esos discos que pocos recuerdan hoy, pero revisitado y aggiornado a los tiempos que corren. Así empieza la canción que da título a Twin Cinema, el tercer LP de estudio de los canadienses New Pornographers, del 2005. Son algo así como una institución del power pop del hemisferio norte, con miembros que ya tenían un buen pasado a cuestas en esto de hacer música. A.C. Newman es el cerebro y el principal compositor pero también se destacan Dan Bejar que ahora la está pegando fuerte con Destroyer y nuestra heroína Neko Case, quien hace que uno se pregunte cómo hace para tener tiempo para todo, que todo le salga más o menos bien y para ser productiva y prolífica.

Desde Mass Romantic, el disco debut modelo 2000, ya les había ido bien y habían cosechado no pocas críticas favorables de quienes todavía creen que no todo está perdido. Con el siguiente, Electric Version terminaron de redondear la propuesta y acá la cosa ya parece del todo consolidada. La meta, el norte es claro de entrada; la eterna búsqueda de la canción pop perfecta y la exploración constante de las posibilidades dentro de los tres o cuatro minutos.

A pesar de que las influencias están a la vista y parecen a priori las de un millón de bandas, los New Pornographers son amantes indiscutidos, verdaderas enciclopedias de la música popular moderna, si en un tema suenan como una Electric Light Orchestra un poco menos ambiciosa en el siguiente te hacen acordar a los Fleetwood Mac de Tusk o Rumours o se pueden mandar con un himno generacional como “The Bleeding Heart Show” sin parpadear, en donde Neko Case despliega su admirable abanico de opciones vocales. Una de las cantantes más interesantes de los últimos veinte años sin dudas. Con un balance infrecuente entre virtuosismo y accesibilidad que la convierten en una rara avis.

Canciones, canciones y más canciones, con ideas novedosas, con vueltas de tuerca inesperadas y giros novedosos. The New Pornographers; la definición adecuada de la música pop verdadera de la era moderna. ¡Salud!





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Chequear también:
The New Pornographers - Brill Bruisers
A.C. Newman - The Slow Wonder
Zumpano - Look What the Rookie Did


miércoles, 7 de diciembre de 2016

Nick Cave & the Bad Seeds - I Had a Dream Joe


Nick Cave apareció en mi vida en esa etapa en que uno tiene más capacidad de absorción, puede digerir más música y esta queda ahí almacenada, convirtiéndose en huella indeleble. No sé cómo, la verdad que no me lo explico pero me compré unos ocho o diez discos de los Bad Seeds en una semana, sacrificando comida pero devorando música con la ansiedad de un obeso mórbido.

"I Had a Dream Joe" tiene algo muy especial, la base es acústica, las guitarras eléctricas están muy dosificadas y sin embargo rockea como diez mil demonios. En gran parte gracias a la batería arrolladora de Thomas Wylder. Otro gran acierto son los coros, en donde la voz de Blixa se destaca indefectiblemente.

TEMAZO.






Este tiene video oficial en YouTube.




Encontrala originalmente en:
La admiración de Cave por Neil Young hizo que para este disco contrataran a David Briggs para la producción. Supuestamente se burlaron de él mientras grababan porque fumaba porro y bailaba entre los músicos mientras grababan. Encima nunca quedaron conformes con el resultado. Henry's Dream figura cómodo entre mis discos favoritos de Nick Cave.
Henry's Dream (1992)





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